Материалы для повторения искусства эпохи Возрождения


Вопросы и ответы  для повторения  к  экзамену по истории искусства
 
Тема «Искусство Возрождения»
 

1. Какие века охватывает Возрождение в Италии? Каким другим словом называется этот период?

Возрождение в Италии охватывает 13-16 век. Иначе этот период называется Ренессанс (фр.слово), что означает Возрождение.

2. В связи с чем искусство этого периода получило название «Возрождение?

Свое название Возрождение получило в связи с возрождением интереса к античному искусству, обращение к нему, как к прекрасному идеалу. Возрождение заложило основы европейской культуры Нового времени.

3. Какая жизненная позиция лежала в основе искусства Возрождения?

Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма. Гуманизм (от лат. Humanus-человечный) - течение общественной мысли, главной ценностью был провозглашен человек и его благо.

4. Как изменилось искусство этого периода, что появилось нового?

- В произведениях художников ценилась новизна, необычность, умение делать то, что никто не делал.
- Художники стали подписывать свои произведения, были универсалами (проявляли себя в нескольких видах искусства).
- Проявился интерес публики к личности художника, возникло их жизнеописание.
- Возросла роль светской архитектуры (общественные здания, дворцы, дома) и светских жанров изобразительного искусства –портрет, пейзаж.
- Возникла живопись масляными красками.
- Была разработана система реалистического изображения мира с помощью: линейной и воздушной перспективы, теории пропорций, светотеневой моделировки формы, анатомии.

5. В чем проявилось новаторство Джотто? Его знаменитый живописный заказ. Самая знаменитая его фреска, опишите ее.

Джотто ди Бондоне - живописец,архитектор, в своих произведениях он уделял внимание человеку и его переживаниям. По заказу Скровеньи расписал семейную капеллу дель Арена в Падуе (цикл фресок  «Из жизни Христа и Марии».)

 Самая знаменитая «Поцелуй Иуды»

Шли последние минуты прощания Иисуса со свободной жизнью перед арестом. К Гефсиманскому саду приближалось множество вооружённых людей. С ними был и Иуда, один из двенадцати учеников Христа. Он подошёл к Иисусу и поцеловал его. Это был условный знак, поданный стражникам...

«Поцелуй Иуды» — одна из самых впечатляющих и драматичных фресок Джотто. Ночная тьма озарена огнём полыхающих факелов. Копья и палки вонзаются в синее небо. В саду — приверженцы Христа и его противники. Но пока в разъярённой толпе царят смятение и замешательство. Воины какое-то время не решаются схватить Христа, палки в их руках занесены для удара.

И всё же главное в этой фреске — столкновение двух противоборствующих начал: добра и зла, благородства и предательства.

Христос спокойно и смело выходит навстречу Иуде. Тот прильнул к нему, чтобы поцеловать. Обнимая Христа, точнее, обволакивая его своим нежно-жёлтым одеянием (цвет измены и предательства), он словно пытается втянуть в себя человека, которому уготовил участь мученика. Светло и мужественно лицо Иисуса, его ясный и спокойный взгляд устремлён прямо в глаза изменника. Он знает истинную цену этого поцелуя. А лицо Иуды? Коварное и хищное, оно упирается в чело Христа, Иуда как бы мысленно произносит: «Пришёл твой черёд». Но Иисус спокоен, он знает: случится то, что должно случиться. И он готов отдать свою жизнь.

6. Из какого города началось Возрождение в Италии? Почему? «Отцы» Возрождения?

Возрождение в Италии началось из славного города Флоренции, потому что для этого были все условия. Правители Флоренции семейство Медичи были меценатами и ценителями искусства. Они давали художникам заказы и хорошо за это платили. Семейство Медичи собирает значительную художественную коллекцию, при дворе работают писатели, поэты, гуманисты, ученые.

Возникает новый критерий оценок прекрасного, в основе которого лежит сходство с природой и чувство соразмерности. В искусстве особое внимание уделяется пластической проработке форм и рисунку. Стремление познать закономерности природы приводит к изучению пропорций человеческой фигуры, анатомии, линейной перспективы.

В первой половине XV века во Флоренции жили и работали три художника, получившие прозвище «отцов Возрождения»: архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности

Брунеллески Филиппо, итальянский архитектор, скульптор и учёный.

Один из основоположников архитектуры Возрождения и создателей научной теории перспективы.

Воздвигнутый Брунеллески восьмигранный величественный купол Флорентийского собора (1420-36) - первый крупный памятник ренессансного зодчества и достижение инженерной мысли в Италии (создал каркасную систему купола храма).

Брунеллески одним из первых в зодчестве Италии творчески осмыслил и оригинально истолковал античную ордерную систему (капелла Пацци).

Флорентийский мастер Донателло (полное имя — Донато ди Никколо ди Бетто Барди) — одна из ключевых фигур в создании итальянской скульптуры.

Донателло создавал скульптуры из бронзы, камня и дерева.

Одной из самых известных его работ считается обнаженная фигура Давида (скульптура для фонтана Медичи).

Создал тип самостоятельно стоящей круглой статуи, не связанной с архитектурой. Статуя кондотьера Гаттамелаты. (Эразмо  Нарми)


Мазаччо работал на самой заре расцвета живописи и внёс немалый вклад в становлении основных живописных законов и принципов, стал известен именно своей религиозной живописью.

«Изгнание из Рая», «Чудо со статиром».

В живописи обладал мощной светотенью.


7. Знаменитые работы Боттичелли, посвященные античным сюжетам?

Сандро Филипепи (таково настоящее имя мастера) был младшим сыном кожевника Мариано Филипепи, Существует и ещё одна, возможно, самая близка к истине версия, согласно которой прозвище перешло к Сандро Боттичелли от брата Антонио, и оно обозначает искаженное флорентийское слово «battigello» – «серебряных дел мастер».

«Рождение Венеры» - эта картина находиться в Галерее Уффици, во Флоренции. Известная картина живописца из Флоренции Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» является шедевром эпохи Возрождения. Картина представляет собой полотно примерно 2 на 3 метра, она выполнена темперными красками на холсте. Картина иллюстрирует миф рождения Венеры (греч. Афродиты).

Обнажённая богиня плывет к берегу в створке раковины ребристой сердцевидки или морского гребешка, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды (рим. Флора) дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций, спешащая к ней с красной мантией, чтобы укрыть. Вокруг Венеры цветы (розы, анемоны), внизу камыш. Строго говоря, это не рождение, а скорее прибытие богини на землю. У художников эпохи Возрождения обнаженная Венера в противовес одетой символизировала любовь небесную. Боттичелли наделил свою героиню целомудрием, которое почитается как высшая добродетель. Прекрасное тело героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли, поэтому сквозь античную тему звучит христианская.

Наиболее вероятной кандидатурой на роль богини любви в данном случае является Симонетта Веспуччи, в 1470-х в возрасте 16 лет приехавшая с мужем во Флоренцию и сразу ставшая ее первой красавицей. Сандро, вероятно, знал ее еще до того - он довольно близко общался с ее семьей, поскольку с родителями жил в соседнем квартале.

Сандро Боттичелли писал «Весну» (Primavera) по заказу Лоренцо Медичи. Картина должна была стать его свадебным подарком для еще одного из этого знатного рода – троюродного брата Лоренцо ди Пьерфранческо. Картина стала не просто изображением одного из любимых в то время мифологических сюжетов, а философским напутствием будущему браку.

«ВЕСНА».

На картине изображена поляна в апельсиновом саду. Вся она усеяна цветами Ботаники насчитали более 500 цветов , относящихся к более чем 170 видам. Причём воспроизведены они с фотографической точностью, как например, немецкий ирис в правом нижнем углу. Несмотря на название «Весна», среди них много тех, что цветут летом, и даже зимой.

Рассматривая персонажей картины справа налево, обнаруживается ритм 3-1-3-1. Три персонажа первой группы: бог западного ветра Зефир, рядом с которым деревья гнутся без плодов; Зефир преследует Хлориду, изображённую в момент превращения во Флору – у неё изо рта уже разлетаются цветы; и сама богиня цветов Флора, щедрой рукой разбрасывающая розы. Чтобы подчеркнуть метаморфозу нимфы, Боттичелли показал, что одежды у Хлориды и Флоры развеваются в разные стороны.

Следующую, центральную группу образует в одиночестве Венера, богиня садов и любви. Её главенство художник подчёркивает не только центральным расположением, но и двумя ореолами из листьев мирта (атрибута Венеры). Жест правой руки Венеры направлен к левой части картины. Над Венерой расположен путто (или Амур) с завязанными глазами, направляющий стрелу в среднюю Хариту (Грацию). Три Грации олицетворяют женские добродетели: Целомудрие, Красоту и Наслаждение. Жемчужины на их головах символизируют чистоту. Грации вроде бы и в одном хороводе, но движения их разобщены. Целомудрие и Красота изображены спереди, а Наслаждение - спиной, и ее внимание приковано к Меркурию.

Последнюю группу образует Меркурий с его атрибутами: шлемом, крылатыми сандалиями и кадуцеем. Боттичелли сделал его охранником сада, снабдив мечом.

Существует огромное количество версий относительно интерпретации картины. Их условно можно разделить на философские, мифологические, религиозные, исторические и экзотические. Очень многие склоняются к религиозному значению, полагая, что символика жестов и поз принадлежит Мадонне, которую угадывают в чертах Венеры. Многие теории предполагают мифологичность – ведь на полотне изображены античные персонажи в цветущем саду. Историки отстаивают свою точку зрения – написана картина к свадьбе и преподнесена как нравоучение невесте с намеком на то, что будущий жених имел много побочных связей.

8. Почему Леонардо да Винчи называли «универсалом»?

Без сомнения, Леонардо да Винчи – самый универсальный гений в истории человечества.

Он заложил основы современных – биологии, физики, механики, анатомии, геологии, изобразительного искусства, архитектуры.

Самый образованный человек своего времени, - он постиг все науки самоучкой.

Леонардо с гордостью подписывался – «Леонардо да Винчи, ученик опыта».

Леонардо был: живописцем, скульптором, архитектором, писателем, музыкантом, теоретиком искусства, военным инженером, изобретателем, математиком, анатомом, физиологом, ботаником…

9. Знаменитая фреска Леонардо да Винчи и все что вы о ней знаете (сюжет фрески, история написания, где написана, почему плохая сохранность)

В одном из тихих уголков Милана стоит церковь Санта Мария делла Грацие. Рядом с ней, в неприметном здании трапезной, вот уже более 500 лет находится шедевр шедевров - фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Эту композицию Леонардо да Винчи написал по заказу правителя Милана герцога Лодовико Моро. Размеры изображения — примерно 460 x 880 см, Леонардо писал «Тайную вечерю» на сухой стене, а не на влажной штукатурке, поэтому роспись не является фреской в истинном значении слова. Фреску нельзя изменять во время работы, и Леонардо решил покрыть каменную стену слоем смолы, гипса и мастики, а затем писать по этому слою темперой.
Для своей фрески на стене трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие да Винчи выбрал тот момент, когда Христос говорит своим ученикам: «Воистину говорю вам - один из вас предаст меня». «Один из вас предаст меня...» - и ледяное дыхание неотвратимого рока коснулось каждого из апостолов. После этих слов на их лицах выразились самые различные чувства: одни были поражены, другие возмущены, третьи опечалены. Юный Филипп, готовый к самопожертвованию, склонился к Христу, в трагическом недоумении развел руками Иаков, вот-вот готов броситься на предателя схватившийся за нож Петр, правая рука Иуды сжимает кошель с роковыми серебрениками.

У Леонардо все фигуры композиции расположены на одной линии - лицом к зрителю. Христос изображен без ореола, апостолы без своих атрибутов. Роспись содержит неоднократные отсылки к числу три:

• апостолы сидят группами по три человека;
• позади Иисуса — три окна;
• контуры фигуры Христа напоминают треугольник.

Леонардо выделяет Христа на фоне окна.

Леонардо был так увлечен своей работой, что писал беспрестанно, с утра до вечера, забыв о пище и питье. Бывало, однако, что несколько дней он совсем не брался за кисть, но и в такие дни он по два-три часа оставался в трапезной, предаваясь размышлениям и рассматривая уже написанные фигуры. Все это весьма раздражало приора монастыря доминиканцев, которому «казалось странным, что Леонардо добрую половину дня стоит погруженный в раздумье и созерцание. Он хотел, чтобы художник не выпускал из рук кисти, подобно тому, как не прекращают работу на огороде. Настоятель пожаловался самому герцогу, но тот, выслушав Леонардо, сказал, что художник тысячу раз прав.

Леонардо тщательно выбирал модели для образов апостолов. Он ежедневно отправлялся в те кварталы Милана, где обитали низшие слои общества и даже преступные люди. Там он искал модель для лица Иуды, которого считал величайшим негодяем на свете.

Художник не обращал внимания на докучливого монаха, который кричал, бесновался и жаловался герцогу. Однако, когда настоятель монастыря стал опять надоедать Леонардо, тот заявил, что если он не найдет ничего лучшего для головы Иуды, а его будут торопить, то он воспользуется как моделью головой этого столь навязчивого и нескромного настоятеля.

Создавая свою «Тайную вечерю», Леонардо никак не мог нарисовать лицо Иисуса Христа. Он тщательно написал лица всех апостолов, пейзаж за окном трапезной, посуду на столе. После долгих поисков написал Иуду. Но лицо Спасителя осталось на этой фреске единственным не завершенным.

Казалось бы, что «Тайная вечеря» должна была тщательно сохраняться, между тем на деле все обернулось иначе. Виной тому отчасти сам великий да Винчи. Создавая фреску, Леонардо применил новый (им самим изобретенный) способ грунтовки стены и новый состав красок. В результате фреска начала разрушаться еще при жизни Леонардо. В дальнейшем ее состояние усугубилось: в 1500 году, через три года после написания «Тайной вечери», вода залила трапезную. К 1566 году она была уже в весьма жалком состоянии. Монахи прорубили посреди картины дверь, которая нужна была для сообщения трапезной с кухней. Эта дверь уничтожила ноги у Христа и у некоторых апостолов. В дальнейшем австрийские и французские солдаты как будто соперничали между собой в вандализме по уничтожению этого сокровища. В конце XVIII века трапезная монастыря была превращена в конюшню. Но даже и в полуразрушенном состоянии «Тайная вечеря» производит неизгладимое впечатление.

Во время Второй мировой войны, 15 августа 1943 года, трапезная подверглась бомбежке

10. Знаменитый портрет кисти Леонардо и все о нем (кто изображен, почему так называется, что ценится в этой работе, скандальная история с ней, где находится)

«Мона Лиза», она же «Джоконда»; полное название — Портрет госпожи Лизы дель Джокондо, — картина Леонардо да Винчи, находящаяся в Лувре (Париж, Франция), одно из самых известных произведений живописи в мире, которое, как считается, является портретом Лизы Герардини, супруги торговца шёлком из Флоренции Франческо дель Джокондо, написанным около 1503 - 1505 года (писал портрет 4 года).

На картине прямоугольного формата изображена женщина в тёмной одежде, обернувшаяся вполоборота. Она сидит в кресле, сложив руки вместе, оперев одну руку на его подлокотник, а другую положив сверху, повернувшись в кресле почти лицом к зрителю. Разделённые пробором, гладко и плоско лежащие волосы, видные сквозь накинутую на них прозрачную вуаль падают на плечи двумя негустыми, слегка волнистыми прядями. Зелёное платье в тонких сборках, с жёлтыми рукавами в складках, вырезано на белой невысокой груди. Голова слегка повёрнута.

Портрет является поясным. Кресло, в котором сидит модель, стоит на балконе либо на лоджии, линия парапета которой видна позади её локтей. Как считается, раньше картина могла быть шире и вмещать две боковые колонны лоджии, от которых в данный момент остались две базы колонн, чьи фрагменты видны по краям парапета.

«Мона Лиза» очень потемнела, что считается результатом свойственного её автору тяготения к экспериментам с красками. Современники художника, тем не менее, успели выразить свои восторги не только по поводу композиции, рисунка и игры светотени - но и относительно колорита произведения.

Современное состояние картины достаточно плохое, из-за чего сотрудники Лувра объявили, что больше не будут отдавать её на выставки: «На картине образовались трещины, а одна из них останавливается в считанных миллиметрах над головой Моны Лизы».

Леонардо в лице моны Лизы нашёл модель, удовлетворявшую его запросам, он попробовал решить некоторые из самых высоких и трудных задач живописной техники, ещё им не решенных. Он хотел при помощи приёмов, уже выработанных и испробованных им раньше, особенно при помощи своего знаменитого sfumato, дававшего и раньше необыкновенные эффекты, сделать больше, чем он делал раньше: создать живое лицо живого человека и так воспроизвести черты и выражение этого лица, чтобы ими был раскрыт до конца внутренний мир человека. Именно сфумато создаёт влажный взгляд Джоконды, легкую, как ветер, её улыбку, ни с чем не сравнимую ласкающую мягкость прикосновения рук» Сфумато - это едва уловимая дымка, окутывающая лицо и фигуру, смягчающая контуры и тени.

Считается, что пейзаж является вторым средством, которое создаёт одухотворённость картины: удалось создать не портрет конкретной личности, а универсальный образ: «Мона Лиза» выдержана в золотисто-коричневых и рыжеватых тонах первого плана и изумрудно-зелёных тонах дали. Улыбка Моны Лизы является одной из самых знаменитых загадок картины. Дальнейший взлёт славы картины связан с её таинственным исчезновением в начале XX века и счастливым возвращением в музей несколько лет спустя, благодаря чему она не сходила со страниц газет.

11.  Чем прославился Рафаэль? Самая маленькая его работа, все о ней (кто изображен, размер, формат, композиция, где находится)

Рафаэль прославился образами Мадонн.

«Мадонна Конестабиле» - миниатюрное и, вероятно, неоконченное изображение Девы Марии и младенца Христа, принадлежащее кисти 20-летнего Рафаэля. Картина, в старину именовавшаяся «Мадонной с книгой» , происходит из семьи графа Конестабиле из Перуджи, у которого она была приобретена Александром II в 1871 году. Царь подарил её своей супруге, Марии Александровне. С тех пор картина выставляется в собрании Эрмитажа в Санкт-Петербурге. «Мадонна Конестабиле» является единственным полотном Рафаэля в российских собраниях .В 1881 году ее перевели с доски на холст. Композиция вписана в круг «тондо», диаметр 17,5 сантиметров. Чтобы увеличить ее размеры для картины сделали массивную раму.

Мария, склонив голову, читает Писание, а ее малыш забавляется, трогая обложку. Их действия объединены вниманием к книге. Композиционно их соединяет плавный круг, в который вписан обобщенный образ непорочной Девы и ее сына. Их лица нежны и задумчивы. Красное платье Марии уравновешивает синяя накидка, означающая невинность. Она полностью согласована с голубовато-зеленым прозрачным умбрийским пейзажем, который составляет фон картины: озеро окружают тоненькие деревца без листьев, а вдали покрыты снежными шапками голубые холмы умбрийских гор.

Мастера Возрождения любили форму тондо, она воплощала завершенность, цельность мира, который они изображали. Но ни у одного из предшественников Рафаэля тондо не использовалось с такой свободой и мастерством.

13. «Красота спасет мир» - это о какой работе Рафаэля? Все что о ней знаете. (сюжет, кто изображен, история этого произведения, относительно какого персонажа прозвучала фраза «красота спасет мир», где сейчас находится)

«Сикстинская Мадонна» - картина Рафаэля, которая с 1754 года находится в Галерее старых мастеров в Дрездене. Принадлежит к числу общепризнанных вершин Высокого Возрождения. Огромное по размерам (265 x 196 см холст, так обозначен размер картины в каталоге Дрезденской галереи) полотно было создано Рафаэлем для алтаря церкви монастыря святого Сикста II в Пьяченце. Затем это произведение было продано в Дрезден. В конце Второй мировой войны в январе 1945 г. «Сикстинская мадонна», как и другие картины Дрезденской галереи, были спрятаны в товарном вагоне, стоявшем на рельсах в заброшенной каменоломне в 30 км к югу от Дрездена. Благодаря этому они уцелели при бомбардировке Дрездена в феврале 1945 г.

После войны картина хранилась в запасниках Пушкинского музея, пока не была возвращена вместе со всем дрезденским собранием властям ГДР в 1955 году.

На картине изображена Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II и святой Варвары (покровительница г. Пьяченце) по сторонам и с двумя ангелочками, взирающими снизу вверх на схождение Бога. Фигуры образуют треугольник. Раскрытый по сторонам занавес лишний раз подчёркивает геометрическую продуманность композиции. Это одно из первых произведений, в котором зритель оказывается вписан в композицию: кажется, что Мадонна спускается с небес прямо навстречу зрителю и смотрит ему в глаза.

В образе Марии гармонично соединены восторг религиозного триумфа с такими общечеловеческими переживаниями, как глубокая материнская нежность и отдельные ноты тревоги за судьбу младенца. Её одежды подчёркнуто просты, она ступает по облакам босыми ногами, окружённая светом…

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчёркивающая его высокий сан, указывает своей рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят в указанном им направлении, в то время как святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа.

Распространено мнение, что Сикст II изображён Рафаэлем на картине с шестью пальцами на правой руке, поскольку он Сикст (что значит «шестой» на латыни). На самом деле кажущийся шестой палец (мизинец) является частью внутренней стороны ладони.

Существует очень широко распространённое высказывание Ф. М. Достоевского: «Красота спасёт мир». Мало кто понимает, о какой красоте, о чём вообще идёт речь (конечно, о красоте внутренней, духовной). Для Фёдора Михайловича это высказывание, несомненно, была связана с произведением Рафаэля «Сикстинская Мадонна». Она была его любимой картиной, и ко дню рождения писателя его жена и Панаева заказали в Дрездене фрагмент этого образа. Фотография до сих пор висит в доме-музее Достоевского. В образе Мадонны уникальное сочетание бесподобной женственной прелести, кротости, чистоты, чувственного обаяния, совершенной святости и жертвенности.

14. Какой работой прославился Микеланджело? Все что вы о ней знаете. (сюжет, размер, особенности, где сейчас находится)

«Оплакивание Христа» — первая и наиболее выдающаяся пьета, созданная Микеланджело Буонарроти. Это единственная работа скульптора, которую он подписал «Микеланджело Буонарроти, флорентиец» (174 x 195 x 69) - Фигуры Девы Марии и Христа были высечены 24-летним мастером из мрамора по заказу французского кардинала для его гробницы. В XVIII веке статуя была перенесена в одну из капелл базилики святого Петра в Ватикане.

Несмотря на сложность соединения в одном изваянии двух столь крупных фигур, композиция «Пьеты» безупречна. Слегка склонена голова Богородицы. Она смотрит на лицо сына, лежащего на ее коленях, глаза которого сомкнуты глубоким сном. Глядя на это изваяние, можно прочувствовать то глубочайшее недоумение матери, горесть, которая ложится на ее сердце. Это произведение внесло новизну в передачу драматизма.

Фигуры трактованы как единое целое, их соединение поражает слитностью. Вместе с тем скульптор тонко противопоставляет мужское и женское, живое и мёртвое, нагое и прикрытое, чем вносит в композицию элемент напряжения.

«Пьета» послужила образцом для последующих трактовок этого иконографического сюжета. Крупные, ломающиеся складки одеяния Мадонны не только намеренно усиливают драматический излом лежащего на её коленях тела, но и служат своеобразным пьедесталом для всей пирамидальной композиции. В этих изощрённых складках угадывается скрытая мощь, как духовная, так и физическая, контрастирующая с мягкими чертами лица Богоматери. По степени законченности и проработки деталей «Пьета» превосходит почти все прочие скульптурные произведения Микеланджело.

15. Статуя, воплотившая свободолюбивый дух Флоренции. Все что о ней знаете (кто изображен, из какого материала, размер, сюжет, композиция, где сейчас находится.)

Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые представленная флорентийской публике на площади Синьории 8 сентября 1504 года. С тех пор пятиметровое изваяние стало восприниматься как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом. В настоящее время оригинал статуи находится в Академии изящных искусств во Флоренции (на площади находится копия).

Статуя, предназначенная для кругового обзора, изображает обнажённого Давида, сосредоточенного на предстоящей схватке с Голиафом. Молодой Давид, который стал царём Иудеи и Израиля, вступил в поединок с огромным воином Голиафом, который был потомком великанов. Давид победил Голиафа с помощью пращи, попав камнем ему в лоб, после чего отрубил ему голову. После данной победы израильские и иудейские войска изгнали со своей земли филистимлян. Именно этот ветхозаветный сюжет и решил увековечить в скульптуре Микеланджело. Здесь Давид готовится к схватке с воином, который превосходит его по силе, однако по всему виду он полностью сохраняет спокойствие. Мышцы Давида напряжены, а брови сдвинуты, что придаёт выражению его лица нечто устрашающее, и говорит о том, что каким бы ни был грозным его противник, сила духа Давида сломит все преграды. Через левое плечо герой перекинул пращу. Юноша готовится к бою с превосходящим его по силе врагом. Он спокоен и сосредоточен, но мышцы его напряжены. Брови грозно сдвинуты, в них читается нечто устрашающее. Через левое плечо он перекинул пращу, нижний кончик которой подхватывает его правая рука. Свободная поза героя — классический пример контрапоста — уже подготавливает смертоносное движение.

Для выполнения заказа Микельанджело была предоставлена глыба мрамора, из которой что-то пытались сделать, и которая несколько лет неумолимо «таяла» в размерах под открытом небом. Борьба Микеланджело за извлечение из бесформенной глыбы идеального человеческого тела продолжалась два года. Произведение Микеланджело воспринималось как наглядный образ героической борьбы флорентийского народа за свободу от тирании.

Помощников не было, Микеланджело трудился один, передвигаясь вокруг гигантской глыбы по строительным лесам. Работа проходила в полной тайне, место, где создавалась статуя, было ограждено деревянным забором. Когда она была уже почти завершена, мастер потратил четыре месяца на окончательную отделку и полировку. Высота мраморной статуи составляет 5,17 м, ее называли «Гигант»

16. Живописный подвиг Микеланджело. В чем он проявился, описать произведение (история создания, размер, сюжет, где находится)

Роспись потолка Сикстинской капеллы представляет собой известнейший цикл фресок Микеланджело и считающийся одним из признанных шедевров искусства Высокого Возрождения. Сложнейшую задачу, поставленную перед ним папой Юлием II — Микеланджело, называвшему себя скульптором, а не живописцем, не приходилось ещё осуществлять столь масштабную работу в технике фрески, — мастер выполнил в рекордные сроки. заказ папы он рассматривал как средство доказать своё мастерство.

Сикстинская капелла представляет собой прямоугольное в плане здание длиной 40,5 м и шириной 14 м. Высота капеллы - 20 метров. Микеланджело построил «летящие» леса- настил, опирающийся на крепления, вмонтированные с помощью нескольких небольших отверстий в стены, около верха окон. Такой тип лесов позволял работать сразу по всей ширине свода. Микеланджело стоял на лесах, запрокинув голову далеко назад.
После длительной работы в таких условиях Микеланджело долгое время мог читать, только держа текст высоко над головой. Несколько лет, проведённых под сводом капеллы, пагубно отразились на здоровье. Но он справился со своей работой и за 4 года расписал 600 квадратных метров потолка. На них изображены 343 персонажа из Библии начиная от Адама. На потолке появилось множество библейских изображений, начиная от сотворения мира. Само пространство поделено на части. В углах можно увидеть сюжеты, посвященные спасению еврейского народа. Это Ветхозаветные сюжеты «Медный змей», «Давид и Голиаф», «Казнь Амана», «Юдифь и Олоферн».

В центральной части располагаются изображения, посвященные сценам из Ветхого завета, то есть периода, начинающегося от сотворения мира и появления первого человека Адама. Всего их девять. Известные работы среди них: «Сотворение Мира», «Грехопадение» и «Всемирный потоп». Фреска, изображающая создание Богом Адама, является достаточно известной Сюжет каждой фрески лаконичен и емок, миниатюры заключены в декоративные рамки, выполненные из травертина.

Огромная площадь потолка могла бы вызвать гнетущее впечатление, «давить» на прихожан, если бы не маленькие ухищрения мастера, искусственно разделившего огромный плафон на 47 частей.

17. Чем отличалось Возрождение в Венеции от Возрождения во Флоренции?

- Возрождение в Венеции началось позже, продолжалось дольше, связь с античными тенденциями наименьшая, а с европейским искусством более тесная.

- Культура Венеции была тесно связана с пышным величием и торжественной роскошью имперской византийской культуры, а отчасти и утонченной декоративной культурой арабского мира. Это проявилось в эклектике стилей архитектуры Венеции. Венецианская знать соревновалась в украшении города прекрасными общественными зданиями и частными дворцами, расписанными и украшенными скульптурой.

- В Венеции по существу отсутствовал этап протореннесанса, начало раннего Возрождения пришлось на вторую половину XV в.

- Отличительной чертой венецианской школы явилась ведущая роль живописи, повышенное внимание к проблемам колорита, отображению природы. Причем живопись в Венеции – радостная стихия цвета.

- Венецианские художники, как правило, были узкими профессионалами, в отличии от флорентийцев.

18. Джорджоне (чем прославился?). Описать его работы «Спящая Венера» «Юдифь».

Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко недалеко от Венеции. Уже в ранних работах видно, что Джорджоне большое внимание уделял пейзажу, который не просто являлся фоном для фигур на переднем плане, а играл важную роль в передаче глубины пространства и создании впечатления от картины.

Картину «Спящую Венеру» (Дрезден, Картинная галерея старых мастеров). Джорджоне, написанная им незадолго до смерти.

Джорджоне не окончил картину. Он успел написать саму Венеру и, возможно, скалу за ней, прежде чем скончался от чумы в 1510 году.

Картину закончил уже Тициан, который написал пейзаж, небо, одежды, на которых лежит Венера. У ног Венеры сидел маленький Купидон с птичкой в руке.

Купидона и часть пейзажа написал Тициан, очевидно завершая работу учителя после его смерти. Впоследствии картина сильно пострадала от времени, фигурка Купидона почти разрушилась и была записана.

Мотив Венеры, спящей в саду, где вечная весна, присутствует ещё в римских свадебных поэмах. Богиня любви обычно спала в окружении путти, а Купидон будил её.

После этого Венера отправлялась на свадебное торжество к паре. Спящая на лоне природы прекрасная нагая богиня предстает под кистью Джорджоне воплощением той Любви, которая, по мысли философов, была вечной связью мироздания. Это одно из самых поэтических изображений обнаженной натуры.

Серединой первого десятилетия XVI в. датируют также картину Джорджоне «Юдифь» (Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж.

Одно из многочисленных произведений изобразительного искусства на тему истории Юдифи и Олоферна. Согласно книге «Иудифь», полководец Олоферн, командующий армией Навуходоносора, выполняя его повеление «свершить … отмщение всей земле». Олоферн осадил небольшой город Ветилую, где жила молодая вдова Юдифь. Женщина пробралась в лагерь ассирийцев и соблазнила Олоферна. Когда полководец заснул, Юдифь отсекла ему голову. «Потому что красота её пленила душу его, — меч прошел по шее его!». Войско, оставшееся без руководителя, не смогло противостоять жителям Ветилуи и было рассеяно. Юдифь в качестве трофея получила шатёр Олоферна и всю его утварь и вступила в Ветилую как триумфатор.

Согласно гуманистической идее эпохи Возрождения, человек, совершивший подвиг во благо своего народа, прекрасен духовно и физически, поэтому образ Юдифи был чрезвычайно популярен в итальянском искусстве. Колористическая гамма картины дает представление об удивительном, истинно венецианском, мастерстве Джорджоне — живописца.

19. Творчество Тициана, его основные качества, описать «Кающаяся Магдалина», «Святой Себастьян».

Тициан Вечеллио — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Ранние его работы по стилю похожи на стиль Джорджоне, он дописывает за него те картины, которые остались незавершёнными.

Тициану присвоен титул первого художника Венецианской республики. Он создавал образы, проникнутые яркими жизненными силами, строил композиции картин по диагонали, пронизывая их стремительным движением, пользовался интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен». Он создает эпические полотна на религиозные и мифологические темы.

Тициан был неповторимым художником, к его заслугам относят открытие некоторых приёмов живописи, которыми пользуются до сих пор художники всего мира – это цветовая лепка формы, различные нюансы краски и пр.

«Кающаяся Мария Магдалина» принадлежит Государственному Эрмитажу в Санкт-Петербурге.

Мария Магдалина (из г. Магдалы), по евангельской легенде, была исцелена Иисусом, изгнавшим из нее «семь бесов», после чего она раскаялась в своей развратной жизни и стала одной из верных его последовательниц.

На картине изображена Мария Магдалина, смотрящая вверх на небо. Её длинные волосы распущены, взгляд полон раскаяния, глаза покраснели от слёз.

Она одета в полупрозрачную одежду и полосатую накидку. Перед ней христианские символы — Священное Писание и череп. Художник восхищается Магдалиной: человек прекрасен, его чувства ярки и значительны.

На пейзаж, расстилающийся за Магдалиной, набегают темные тени, небо заволакивают грозовые тучи, и при тусклом свете последних лучей угасающего дня выступает образ охваченного горем человека.


Во времена раннего средневековья появилось сказание о Себастьяне, уроженце римского города под названием Нарбонна. Окончив обучение в Милане, в поисках счастья он отправился в Рим.

Из-за своей честности и мужества юноша заинтересовал римского императора Диоклетиана. Завоевав его расположение, Себастьян был назначен на почётную должность начальника 1-й когорты императорской гвардии, но оказанного доверия он не оправдал.

Себастьяна два раза приговаривали к смертной казни из-за его тайной приверженности к христианам. Первый раз его расстреливали стрелами, но он выжил благодаря помощи матери своего друга.

По причине того, что молодой человек не изменил своим убеждениям, его ещё раз подвергли казни. На этот раз Себастьяна забили камнями и сбросили тело в сточную канаву.

Предание гласит, что мёртвое тело мученика вынула из канавы святая Лючия, которая похоронила его в катакомбах на Аппиевой дороге.

Полотно Тициана «Святой Себастьян» находящееся в Государственном Эрмитаже является одним из последних его произведений. Несмотря на все мучения, привязанного к дереву Себастьяна, его величественная поза олицетворяет спокойствие, мужество и самообладание. Надвигающуюся смерть он принимает как неизбежное, встречая её с достоинством. Его страдальческое лицо, которое обращено к небу и его фигура освещены беспокойным и неровным светом.

По свидетельству современников Тициан в поздние годы писал не только кистью, но и пальцами рук, лепил, создавал тонкие нюансы.

20. Искусство каких стран относится к «Северному Возрождению»? Чем отличается Северное Возрождение от итальянского Возрождения?

Искусство стран, расположенных севернее Италии относится к Северному Возрождению. (Нидерланды, Германия, Франция)

Общее в Северном и Южном Возрождении - это философия человека, освобождающегося от церковных догм, познающего мир внутри и вокруг себя, но остающегося глубоко верующим. Художники Европы, опираясь на высшие достижения итальянского возрождения, открывали в искусстве собственное и создавали свои великие шедевры.

Различие!

1). В странах северной Европы не было античных памятников - там нечего было возрождать, поэтому искусство стран Северной Европы зарождалось под влиянием Италии и Готического искусства.

2). Североевропейское искусство осмысливало место человека в мироздании иначе, чем итальянское: ·

- если в Италии человек – центр Вселенной, он наделён безграничными творческими возможностями, способными преобразовать мир, то

- на Севере Европы человек - не вершина Божественного творения, а всего лишь одно из многочисленных свидетельств всемогущества творца, созданный вместе с этим миром, человек живёт в нём, но он прекрасен не более, чем и другие божьи творения: природа, окружающий мир и т.д.

3). Итальянские художники наделяли свои образы идеальной гармонией, а на Севере доминирует излишний натурализм, копируются мельчайшие детали, закономерность считается искусственной.

21. Возрождение в Нидерландах. Творчество Ян ван Эйка. Чем он прославился, «Портрет четы Арнольфини» описать.

Ян ван Эйк — фламандский живописец раннего Возрождения, мастер портрета, автор более ста композиций на религиозные сюжеты. Младший брат художника и своего учителя Губерта ван Эйка.

Ван Эйка считают изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их, добавив к пигменту и маслу брюггский лак.

Краски стали быстросохнущими их стало возможным наносить в несколько слоев. Художник популяризировал масляную живопись.

«Портрет четы Арнольфини»

Человек, изображенный на известном полотне художника Яна ван Эйка, — это богатый купец из итальянского города Лукки. На полотне изображены мужчина и женщина, стоящие на некотором отдалении друг от друга в спальне городского дома. Молодой человек (Джованни Арнольфини на момент написания картины исполнилось 34 года) изображен почти анфас. Его правая рука поднята на уровень плеча, как если бы он собрался произнести клятву. Его дама стоит, повернувшись влево. Комната, в которой они находятся, видна как бы сверху. Таким образом, на изображении отсутствует единая точка схождения горизонтальных и вертикальных осей.

Смысловым центром картины Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» являются соединенные руки персонажей. Их соприкосновение выглядит очень церемониальным. Живописец изобразил руки почти в центре полотна, придавая, таким образом, им особое значение.

Оба персонажа картины Яна ван Эйка («Портрет четы Арнольфини») одеты в праздничные наряды. Портрет четы Арнольфини имеет несколько отличительных особенностей.

В частности, он считается одним из наиболее ранних светских супружеских портретов в истории европейской живописи. До создания этого полотна художники не стремились так тщательно изображать мелкие детали и бытовые подробности, как стали делать после появления картин Яна ван Эйка.

Техника Создавая «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк использовал масляные краски. Изображая интерьер, ван Эйк рисует его как свадебную палату. Он добавляет множество скрытых смыслов благодаря реалистичному изображению в комнате объектов на картине "Портрет четы Арнольфини".

Символы, изображенные на ней, многочисленны. Так, например,

- символом всевидящего ока Божьего является круглое зеркало, которое отражает фигуры двух людей, не видных зрителю, но присутствующих в комнате;
- апельсины, находящиеся на подоконнике и низком столе, намекают на райское блаженство;
- верность обозначает маленькая собачка;
- туфли - символ любви и преданности супругов, неразлучность;
- четки - это символ благочестия;
- щетка является знаком чистоты;
- шестисвечник-брачный символ, одна свеча в люстре, зажженная днем, символизирует мистическое присутствие на церемонии Святого духа.

На стене читается надпись, которая намерено выделена художником: "Ян ван Эйк здесь был". Таким образом поясняется, что живописец этот был в роли свидетеля при старинном нидерландском обычае совершать обручение не в церкви, а дома.

Данная картина представляет собой визуальное доказательство церемонии свадьбы. Кроме того, можно сказать, что она является брачным свидетельством. Ведь подпись на дальней стене документирует присутствие свидетеля (Ян ванн Эйка), в роли которого выступает художник. Эта картина является одной из первых в искусстве, подписанных автором.

22. В чем особенность творчества Босха? Его работа «Несение креста» - описать.

Один из наиболее ярких мастеров раннего Северного Возрождения, Иероним Босх в своих многофигурных композициях, картинах на темы народных поговорок, пословиц и притч сочетал изощренную средневековую фантастику, порожденные безграничным воображением гротескные демонические образы с фольклорно-сатирическими и нравоучительными тенденциями.

Стиль Босха уникален и не имеет аналогий в нидерландской живописной традиции. Живопись Иеронима Босха совсем не похожа на творчество других художников того времени.

Творчество Иеронима Босха одновременно - новаторское и традиционное, наивное и изощренное; оно завораживает людей ощущением какой-то тайны, известной одному художнику. «Именитый мастер» - так называли Босха в Хертогенбосе, которому художник оставался верен до конца своих дней, хотя прижизненная слава о нем распространилась далеко за пределы родного города.

Большинство сюжетов картин Босха связано с эпизодами из жизни Христа или святых, противостоящих пороку, или почерпнуты в аллегориях и пословицах о человеческой жадности и глупости.

«Несение креста» — одна из его картин на религиозную тематику. В ней всего один план, приближенный максимально сильно. Он создает ощущение статичного кинематографического кадра из жутковатой анимационной ленты про восхождение Христа на Голгофу. Различить на картине можно только лица, и лица эти на редкость неприятны.

Гипертрофированные носы, раззявленные рты, недостаток зубов, ярость, отвращение, снисходительность, насмешка – они вызывают гадливость и желание поскорее отвернуться. Есть среди них и желающий смерти раскаявшийся разбойник, чье лицо кажется уже мертвым, серым, и два других разбойника, яростно орущих, ненавидящих весь мир. Есть фарисеи и священники, и во всей отвратительной вакханалии лишь Христос с крестом на плечах и святая Вероника с платом, на котором отпечатался образ Спасителя, кажутся нормальными.

Их лица светлые, черты полны безмятежности и покоя, глаза закрыты, ограждая их от творящегося вокруг мерзостного действа.

Сам момент этот – восхождение, несение креста – торжество глупости, подлости, ненависти, зависти, гордости, себялюбия и сребролюбия, что из картины Босха понимается просто отлично.

23. Творчество Брейгеля, особенности его творчества. Описать «Слепые»

Питер Брейгель (Старший, или «Мужицкий») – великий нидерландский живописец и рисовальщик, родоначальник национального пейзажа и жанровой живописи. На природу и человека Брейгель смотрит глазами мудрого философа; истинно великими в его полотнах предстают труд на земле, жизнь в согласии с законами природы. Погоню за удовольствиями, тщеславие и суету он изображает как безумный, «перевёрнутый» мир людской глупости и слепоты. Творчество Питера Брейгеля Старшего большей мерой было посвящено изображениям природы, селу и его жителям (от сюда прозвище Мужицкий), библейским персонажам.

Питер Брейгель «Притча о слепых».

Картина Брейгеля – не единственный сюжет в искусстве на тему незрячих. Образ слепого прочно утвердился в мифологии как аллегория невежества, нетерпимости к чужому мнению, зашоренного сознания. Но в то же время часто незрячий выступает как олицетворение веры (не зря ее часто называют слепой).

Произведение Брейгеля, согласно общепринятому толкованию, основано на библейских строках: «Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму». В картине мы видим буквальную иллюстрацию этого.

На фоне безмятежного сельского пейзажа шествует процессия из шести мужчин. Одеты они небогато, на груди одного из них крест, как символ упования на Бога. Слепые движутся по плотине, но не замечают, как дорога делает поворот. И вот их лидер, оступившись, падает в воду. Второй мужчина, не удержавшись, летит за ним. Третий еще не понимает, что происходит, но положение его уже неустойчиво. Последние еще не ведают об уготованной участи, но все они неминуемо окажутся в воде, ведь слепой, следующий за слепым, обречен.

Чтобы понять, о чем говорит брейгелевская «Притча о слепых», нельзя упускать из виду культурный и исторический контекст, в котором создавалась эта картина. В последние годы жизни художника его родные Нидерланды были оккупированы испанцами под предводительством герцога Альбы.

Под предлогом уничтожения еретиков были замучены и убиты тысячи простых людей. Террор и беззаконие царили в стране. Начавшиеся было бунты и выступления быстро сошли на нет. Как и весь народ, художника охватило отчаяние, и эта безысходность обрела наиболее полное выражение в его картине «Притча о слепых».

Эта работа – аллегорический протест и обращение ко всему миру. Куда придет незрячее человечество? По какому праву слепого ведет слепой? Слепота здесь – не только физическое увечье, но и нищета духа. Все полотно кричит о том, что пока не поздно следует остановиться и попробовать, наконец, открыть глаза. Вероятно, пока человечество существует, этот призыв все еще будет актуален.

24. Возрождение в Германии. Творчество Дюрера. В чем особенность его творчества? «Четыре всадника» «Рыцарь, смерть и дьявол» описать.

Альбрехт Дюрер (1471-1528) - великий немецкий художник (график и живописец), а в последние годы жизни и теоретик искусства. Возрождение в творчестве Альбрехта аккумулирует в себе своеобразие и богатство немецких художественных традиций. Кроме того, мастер предпочитает все острохарактерное, уделяет большое внимание индивидуальным деталям. Огромное значение для Альбрехта имеет в то же время соприкосновение с искусством Италии. Творчество Альбрехта Дюрера отмечено тем, что он старался постичь тайну его совершенства и гармонии.

Дюрер является единственным представителем северного Возрождения, который по многогранности и направленности интересов, стремлению постичь законы искусства, создать совершенные пропорции фигуры человека может быть поставлен в один ряд с великими мастерами итальянского Возрождения. Творчество Альбрехта Дюрера) интересно тем, что он превратил гравюру в один из основных видов искусства, выполнял гравюры одинаково успешно и на меди, и на дереве.

Гравюра «Четыре всадника Апокалипсиса» - иллюстрация к 6-й главе книги «Откровение» Иоанна Богослова:

Все четыре всадника являются олицетворением известных библейских образов. Первый – лучник – это Победитель. Всадник, занесший над головой меч, символизирует Войну. Третий их спутник, Голод, держит в руках весы. Четвертый всадник – это Смерть.

Всадники возникают из густого мрака, который надвигается на землю. Что всадники посланы небом, показывают стрелы лучей. Остроконечный колпак, широкополый халат, изогнутый лук у первого. Четвертый всадник, «которому имя - смерть»,- полуобнаженный старик с разверстым в крике ртом и горящими глазами. Он восседает на костлявом коне. Вслед за последним всадником ползет по земле чудовище с открытой пастью. Кони надвигаются неотвратимо.

Кони трех всадников с подковами: металлическим цокотом звучит их галоп. Четвертого коня художник оставил некованым. У его поступи костяной звук. Всадник-смерть отпустил веревочные поводья. На его коне ни седла, ни стремян. Всадник с устремленными вперед безумными, яростно округлившимися глазами конем не управляет. А конь этот, припадая на разбитые копыта, неотвратимо надвигается на людей... Под копыта коня падают поверженные ужасом бюргер, крестьянин, горожанка. Они не пытаются сопротивляться.

Страшная кавалькада едва вмещается в лист - так создается ощущение, что она стремительно проносится мимо наших глаз. Движутся всадники, вслед за ними надвигается тьма, пожирая свет, который еще виднеется на горизонте. Тьму можно бы изобразить сплошным черным пятном. Но тогда оно останется неподвижным. Дюрер создает мрак, тесно сближая почти прямые, но колеблющиеся черные линии. Они рождают не просто тьму, но тьму движущуюся.

Гравюра «Рыцарь, смерть и дьявол»

Альбрехт Дюрер создал гравюру «Рыцарь, смерть и дьявол», наполненную аллегориями и символами. Многие из них уже малопонятны современному зрителю, что существенно обедняет восприятие этого произведения.

Мрачный лес. Такой может привидеться в страшном сне. Голые стволы, обломанные колючие сучья, дерево, едва удерживающееся на осыпи обнаженными корнями. На каменистой тропе, сквозь которую с трудом пробивается чахлая трава, валяется череп. По тропе на медленно шагающем прекрасном коне едет всадник. Он закован в латы и вооружен. Забрало на шлеме поднято. Немолодое лицо спокойно и сурово. Взгляд устремлен вперед. Из леса верхом на тощей кляче выезжает Смерть — не скелет, а плоть, только лицо наполовину сгнило, видны провалы глазниц и носа. На голове Смерти корона. Дюрер неистощим в изобретении ужасного: вокруг зубцов короны вьются змеи, отвратительные, как могильные черви.

Смерть протягивает всаднику песочные часы — символ краткости человеческой жизни. Однако всадник не удостаивает Смерть взглядом. Дьявола же с мордой вепря, рогами барана, крыльями летучей мыши всадник уже миновал и едет дальше, не оборачиваясь. Кажется, что его конь шагает медленно, но собаке, которая не хочет отстать от хозяина, приходится бежать. Поступь коня, движение всадника неудержимы. Ни Смерть, ни дьявол не испугают, не остановят его. Рыцарь демонстрирует абсолютное презрение к опасности и сомнениям, демонстрируя свои честь и мужество.

Самое распространенное объяснение сюжета связывают с трактатом молодого Эразма Роттердамского «Руководство христианского воина». В нем идет речь о целеустремленном, бесстрашном и преданном долгу воине, перед волей и твердостью духа которого отступают силы ада. Несмотря на то, что в гравюре напрямую отсутствуют символы христианства, в рыцаре современники Дюрера прославляли силу духа, стремящегося к истине, и ассоциировали всадника с защитником христианской веры. Его сопровождает собака – символ истины, дьявол – символ искушения, и смерть с песочными часами, напоминающая о бренности жизни. Снующие ящерицы намекают на скорую опасность, а череп под ногами лошади может означать грядущую смерть. В целом, однако, исследователи рассматривают эту гравюру как символ жизненной активности: оба персонажа угрожают рыцарю, который закован и защищён в прямом и переносном смысле в броню своей веры. "Человек не должен сворачивать с пути истины, какие бы призраки перед ним ни вставали".

Несмотря на то, что произведение Дюрера на первый взгляд выглядит как рисунок, на самом деле оно является тщательно сделанной детальной гравировкой. Художник сделал это произведение искусства, процарапывая резцом канавки на листе меди, а затем заливая в них чернила. Работа настолько ювелирна, что историк вооружения может обратиться к гравюре как к точному документу. Именно такое вооружение и такую броню изготовляли в XV и начале XVI века оружейные мастерские Нюрнберга и Аугсбурга. По гравюре Дюрера можно узнать, как соединялись части подобного панциря, как крепились поножи, как были устроены шарниры стальных рукавиц. Интересно, что Дюрер не называл гравюру «Рыцарь, Смерть и Дьявол». Когда 42-летний художник завершил гравюру в 1513 году, он назвал ее «Всадник». А вместо вырезания подписи на гравюрах немецкий гравер ставил свои инициалы (AD) и дату в нижней левой стороне произведений.